El taller de edición de obra múltiple Polígrafa Obra Gráfica fue fundado por Manuel de Muga en 1964 en Barcelona, España. Desde entonces ha recibido y colaborado con más de 300 artistas de distintas latitudes entre los que se puede mencionar a Joan Miró, Max Ernst, Henry Moore, Roberto Matta, Robert Motherwell, Francis Bacon, Antoni Tàpies, John Cage, Christo, Rufino Tamayo, Wifredo Lam, Marisol, entre tantos otros.

Polígrafa ofrece a los artistas invitados un espacio de trabajo que cuenta con personal de alta calificación en técnicas de impresión tradicionales como el grabado en madera, aguafuerte, litografía, así como en el desarrollo de soluciones innovadoras para el arte serial.

Espacio Monitor presenta una selección de obras recientes realizadas en Polígrafa por quince renombrados creadores de once países, quienes han contribuido a proyectar la vigencia de lo Múltiple en el arte de nuestros días. También hemos querido rendir un homenaje muy especial al Maestro Carlos Cruz-Diez, un venezolano universal.

Color y forma en la obra de Carlos Cruz-Diez, por Ariel Jiménez

 

1. Antonio Asis (N. 1932 Buenos Aires, Argentina)

Destacado representante de la abstracción geométrica y el Op Art. A lo largo de su trayectoria ha explorado los fenómenos de la luz, las vibraciones entre los colores y las múltiples posibilidades de las composiciones monocromáticas. Gran parte de su investigación la desarrolló en las series Círculos cromáticos e Interferencias concéntricas. Actualmente vive y trabaja en París, Francia.

 

2. Luis Tomasello (N. 1915 La Plata, Argentina – M. 2014 París, Francia)

Reconocido internacionalmente por sus Atmósferas cromoplásticas, con las cuales estudió los fenómenos de la luz, valiéndose de la forma geométrica (en especial el cuadrado) y el color reflejo, o como él mismo lo denominó, el color-sensación.

El color nace de la forma, transformándose de visión en sensación y se proyecta en el espacio coloreando la atmósfera e irisándose en el contacto con el plano. El movimiento no solo proviene de la posición del espectador sino de la intensidad y el desplazamiento de la iluminación.

 

3. Marco Maggi (N. 1957 Montevideo, Uruguay)

El lenguaje de Maggi alude a las formas del procesamiento de la información en la era global.

En Fanfold I (Hardware vs. Software) hay dos versiones de una misma secuencia de colores, diferenciadas sólo por su tiempo de realización. Mientras que una fue realizada con los medios gráficos tradicionales, la otra se imprimió tras un clic.

Fanfold II, por su parte, llama la atención sobre la disparidad que hay entre la velocidad de multiplicación de datos que exponencialmente alimentan los sistemas de información, y el modo en el que el cerebro humano se adapta a éstos. Para ello Maggi utiliza el término de “Escalabilidad”.

Soy un promotor de pausas y el grabado es una forma de detenimiento. Frenar es saludable cuando no vemos claro.

 

4. Francisca Sutil (N. 1952 Santiago de Chile, Chile)

La serie Mute representa un cambio de dirección en la trayectoria de Sutil, ya que la artista pasa de la experimentación de la textura propiamente material, trabajando con diferentes técnicas y soportes, a la investigación de una textura puramente visual de cualidades contemplativas.

Su interés por la observación y la meditación se manifiestan en la secuencia encadenada de sus composiciones: formas o huellas de trance que reflejan el ritmo y la intimidad de la experiencia de su creación.

Durante al menos un año, me concentré en desarrollar la forma y la calidad tonal de las marcas, pero me preguntaba una y otra vez, ¿qué significan? Con el tiempo me di cuenta de que cada hoja de papel era como un lenguaje con un mensaje sin codificar.

 

5. León Ferrari (N. 1920 – M. 2013 Buenos Aires, Argentina)

Abordó conceptos como la guerra, la religión, el poder y el sexo, utilizando diferentes medios, entre ellos la pintura, la escultura, el collage y el ensamblaje.

En 1962, realizó la primera Escritura abstracta, deviniendo de ésta, un conjunto de dibujos basados en escrituras deformadas que tienden a hacerse incomprensibles. Paralelamente trabajó en sus Dibujos escritos, donde no hay texto. Continuó desarrollando ambas series a lo largo de su trayectoria, dando por sentada su obsesión por analizar la relación entre imagen y texto escrito, a través de mecasnismos que le permitieron reforzar el contenido crítico de sus obras.

 

6. Ignasi Aballí (N. 1958 Barcelona, España)

Artista conceptual cuya obra se articula a partir de clasificaciones y ordenaciones de los elementos que forman parte de su rutina diaria y ritmo de trabajo para recoger, lo más exhaustivamente posible, una parte de la realidad… y darle una apariencia más lógica, representándola de otra manera.

Aballí crea listados de palabras, imágenes extraídas de los diarios, notas de sus libretas, la incidencia de la de luz solar en sus espacios habituales, las acumulaciones de polvo, entre otros aspectos que, una vez digeridos como obras, generalmente son vinculados al espacio donde serán exhibidos.

En el caso de History of Printmakers, no fue concebida en relación a una arquitectura, sino al oficio propio del lugar donde se produjo.

 

7. Fernando Bryce (N. 1965 Lima, Perú)

Desde finales de la década de los 90, Bryce ha producido un extenso cuerpo de trabajo a partir de archivos bibliográficos y documentales con los que construye nuevas formas de representación de la memoria histórica. Su método de trabajo, el cual denominó “análisis mimético”, se basa en la copia de panfletos, documentos oficiales, imágenes de prensa, propaganda política y anuncios de publicidad, con los que articula desde la apropiación y la ironía, series que revisan las relaciones de poder y su mediatización, poniendo en evidencia los prejuicios subyacentes a los discursos oficiales comúnmente aceptados. Actualmente vive y trabaja en Berlín.

 

8. Liam Gillick (N. 1964 Aylesbury, Reino Unido)

La producción artística de Gillick comprende diversidad de medios entre los que cuentan: pintura, escultura, diseño y artes gráficas, arquitectura, música, escritura, cine, proyectos curatoriales y trabajos en colectivo, todo ello motivado por su interés en vincular el arte a actividades aparentemente no relacionadas con éste, evaluando así la estética de los sistemas sociales y sus modos de producción, pensando así en nuevos espacios para la discusión y la práctica artística.

 

9. Jacob Kassay (N. 1984 Nueva York, EEUU)

Le interesa analizar la ambigüedad como elemento de la obra de arte misma. Por esta razón le atribuye gran importancia a los materiales que utiliza para que desde éstos se acentúe dicha idea. Actualmente vive en Los Ángeles. Incluye el cine dentro de sus prácticas visuales.

 

10. Stefan Brüggemann (N. 1975 Ciudad de México, México)

Trata directamente con el lenguaje escrito para confrontar conceptos como la ficción y la realidad, lo público y lo privado, lo ajeno y lo propio, generando así paradojas que desafían la arbitrariedad del signo lingüístico.

En Joke & Definition utilizo réplicas de la serie de pinturas de Richard Prince Jokes, superpuestas a las definiciones de Titled (Art as Idea as Idea) de Joseph Kosuth. En el momento en que realicé este trabajo reflexionaba sobre dos maneras de la comunicación en sociedad: el discurso lógico y los modos de la ironía. Me apropio de la obra de otros artistas, de la estética, sus colores y tamaño, y las integro a mi trabajo. Allí está la apropiación de la apropiación, ya que Prince y Kosuth se apropiaron de autores anónimos.

 

11. Luis Camnitzer (N. 1937 Lübeck, Alemania)

Artista conceptual uruguayo nacido en Alemania y residenciado en Estados Unidos desde 1964. Ha dedicado gran parte de su obra a la realidad social latinoamericana, abordando temas como la identidad, la libertad, el debate ético, el discurso sobre el arte y el lenguaje. En relación a este último tópico, específicamente refiriéndose a Two Parallel Lines (1976-2014), Camnitzer escribe: Los títulos, como las palabras y los nombres, tienen la ambición de usurpar objetos y personas. Bajo la apariencia de una relación simbiótica, ellos primero atribuyen un alma a las cosas y luego proceden a robársela. Manteniendo cosas y títulos confinados en dos líneas independientes que nunca se pueden tocar, se conserva su pureza. Una cosa permanece una cosa, un título permanece un título, y el imbécil que es caballeroso, permanece imbécil.

 

12. Michael Craig-Martin (N. 1941 Dublin, Irlanda)

Ha vivido y trabajado en Londres desde 1966. A finales de los 70, Craig-Martin comenzó a dibujar objetos de uso doméstico con los que, desde entonces, ha creado un gran banco de imágenes, valiéndose no sólo de la pintura, sino también de la escultura, el grabado, la instalación y la animación; todo ello para poner en duda la naturaleza del arte y de la representación, y aproximarnos desde otro punto de vista al día a día.

Siempre he pensado que podemos captar todo en cosas muy simples. Cuanto más simples son, más nos acercamos a lo esencial.

 

13. Garth Weiser (N. 1979 Montana, EEUU)

Desde su interés por la geometría de corte modernista, el diseño gráfico y el modo en que las grandes empresas crean sus imágenes corporativas, Garth Weiser persigue desafiar las expectativas visuales del espectador para explorar la naturaleza de la percepción.

En Security Envelopes I el artista deconstruye físicamente un sobre ordinario, revelando las cualidades abstractas de su forma, y en un juego entre la realidad y la ficción, presentar este elemento de una manera poco convencional para destacar la naturaleza impersonal de su función.

 

14. Stephen Andrews  (N. 1956 Ontario, Canadá)

Un rasgo característico de la obra de Andrews es la creación de imágenes de reproducción mecánica por medios analógicos. Desde esta práctica, analiza temas como la memoria, la identidad y la tecnología, y en especial el consumo excesivo que ésta última nos proporciona cotidianamente desde la imagen misma.

La serie Una pequeña parte de algo grande fue producida en el estudio de Polígrafa en Barcelona. Generalmente, cuando uno trabaja en un proyecto de esta naturaleza, quiere conectarse con el lugar de producción. Mientras que el material para este trabajo se originó en Toronto, me alegré al encontrar ciertas conexiones casuales con Barcelona… La mirada cubista de las litografías del joven Picasso en Els Quatre Gats… la propia ciudad atravesada por una avenida llamada Diagonal haciéndose eco de las fuertes diagonales de los fotolitos. En un concierto tecno, allí, grandes pantallas LED proyectaron imágenes no muy diferentes de la multitud reunida. Muy involuntariamente todo parecía tener sentido.

 

15. Carlos Cruz-Diez (N. 1923 Caracas, Venezuela)

Es considerado una de las principales figuras del arte contemporáneo. Vive y trabaja en París desde 1960.

Sus inicios se remontan al Movimiento Cinético de los años 50 y 60. Define sus investigaciones y propuestas como Arte del Movimiento y Espacio Reales. El desarrollo de su reflexión plástica ha ampliado las nociones del color, demostrando que la percepción del fenómeno cromático no está asociada a la forma.

Cruz-Diez realizó 8 investigaciones en torno al color: Couleur Additive, Physichromie, Induction Chromatique, Chromointerférence, Transchromie, Chromosaturation, Chromoscope y Couleur dans l’espace. Cada una de las cuales pone de manifiesto las distintas cualidades y comportamientos del color.

En sus obras demuestra que el color, al interactuar con el observador, se convierte en una realidad autónoma y evolutiva, capaz de invadir el espacio sin anécdotas, desprovisto de símbolos, sin tiempo ni ayuda de la forma y aún, sin ayuda del soporte.

Se describe a sí mismo como un artista que practica la disciplina del investigador: En mis obras nada está hecho al azar, todo está previsto, programado y codificado. La libertad y lo afectivo sólo cuentan a la hora de elegir y combinar los colores, tarea a la que impongo una restricción única: ser eficaz en lo que quiero decir. Es una integración de lo racional y lo afectivo. Yo no me inspiro: reflexiono.

A propósito de Múltiple, Cruz-Diez escribe: Me da mucho placer esa exposición, porque la gráfica ha sido para mi punto fundamental de “ma recherche chromatique”. Cada gráfica es una reflexión particular, no una “reproducción bi-dimensional de un cuadro”.

 

 

Más información en:

http://www.poligrafa.net

http://www.cruz-diez.com/es/exhibitions/actuales/multiple-poligrafa-obra-grafica.html